El uso del simbolismo en la actualidad

El uso del simbolismo en la actualidad

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Al hablar de simbolismo, no se puede dejar de mencionar a Carl Justav Jung, un filósofo y psicólogo quien ha investigado sobre el uso de los símbolos antiguos y modernos. Aunque muchos relacionan el estudio del simbolismo con el pasado, existen ciertos símbolos actuales que aparecieron con los avances científicos y tecnológicos. Y esos símbolos son representados en todos los aspectos de la vida, principalmente en el arte y el diseño.

Jung señala que el hombre, “con su propensión a crear símbolos, transforma los objetos o formas en símbolos y los expresa ya en su religión o en su arte visual”. Los símbolos y la semántica varían de acuerdo a la región, al país, a la cultura y a la época. Aún así, hay símbolos a los cuales todos ven de la misma forma. En la simbología cristiana la cruz siempre ha sido su principal símbolo. Cuando uno piensa en la religión cristiana, lo primero que se le viene a la mente es la cruz de Cristo o el Cristo crucificado. Hay cosas que no cambiaron y otras que, si cambiaron, simplemente se cargan simbólicamente.

Para los artistas, el uso de los símbolos es una vía para crear sus obras de arte. Volviendo a Jung, se puede distinguir aquí dos modalidades diferentes: lo sensorial y lo imaginativo. El primero es una reproducción directa de la naturaleza y, lo segundo, la fantasía o experiencia del artista perteneciente al mundo onírico.

Fuente: Carl G. Jung, El hombre y sus símbolos, Barcelona, Editorial Paidós, 1995.

 

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Recomendaciones de libros que traten del arte en general

Recomendaciones de libros que traten del arte en general

En esta entrada estaré recomendando sobre algunos libros que pueden (y deben) leer si les apasiona el mundo del arte, ya sea como artistas, estudiosos o teóricos. Esto es una opinión personal y, por supuesto, si conocen a algún otro autor que escribe sobre arte, pueden recomendarlo en la sección de comentarios. Y sin nada más que decir, a comenzar con la lista.

La síntaxis de la imagen – Donis A. Dondis 

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La sintaxis de la imagen es una aproximación al tema amena y rigurosa que explora aquellos principios y reglas del lenguaje de las imágenes que inciden directamente en la semántica, la retórica y la comunicación visuales. La propuesta teórica de Dondis se acompaña de múltiples ejemplos y referencias que abarcan desde la pintura y la escultura hasta la arquitectura, la publicidad, el cine o la televisión. 

Si desea leer la reseña que realicé sobre este libro, haga clic en el siguiente enlace: https://artedivague.wordpress.com/2016/11/21/la-sintaxis-de-la-imagen-dondis/

Antropología de la producción artística – Lourdes Mendez 

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¿Por qué las mujeres sólo desempeñan un papel menor en las bellas artes? Su rol sería comparable al de los pueblos tribales cuyas artes también son tratadas por los occidentales como artes “menores”. ¿Está determinada esta discriminación por la minorización social, económica y política de las mujeres y de los pueblos tribales? Al igual que la experiencia vivida por los pueblos tribales, la de las mujeres es evidentemente distinta. Si son los hombres blancos, cuya experiencia es necesariamente diferente, los que dan la regla al arte, las obras de las mujeres, como las de los pueblos tribales, corren el riesgo de ser infravaloradas.

Si quiere leer el análisis que realicé sobre este libro, haga clic en el siguiente enlace: https://artedivague.wordpress.com/2015/11/13/analisis-del-libro-antropologia-de-la-produccion-artistica-de-lourdes-mendez/

El hombre y sus símbolos – Carl Gustav Jung

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Jung explora aquí, entre otras cosas, el significado simbólico del arte contemporáneo y los significados psicológicos de las experiencias más corrientes de la vida cotidiana, todo ello a partir del análisis de la naturaleza y función de los sueños. A lo largo de las presentes páginas, Jung no sólo se dedica a subrayar que el hombre únicamente podrá alcanzar su plenitud conociendo y aceptando el inconsciente, conocimiento que se adquiere mediante el análisis de los sueños y sus símbolos, sino también a demostrar que todo sueño es un mensaje directo, personal y significativo, que utiliza los símbolos comunes a toda la humanidad de una forma totalmente individualizada, que a su vez sólo puede interpretarse mediante una “clave” también individual.

¿Qué es el arte? – Arthur C. Danto 

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Con un estilo claro y accesible, “de poco sirven textos complejos que más que ilustrar, confunden”, Danto combina la filosofía y el arte de épocas y géneros diversos y menciona las contribuciones a la estética de filósofos como Descartes, Kant y Hegel y artistas como Miguel Ángel y Poussin, pasando por Duchamp y Warhol. El resultado es una visión muy interesante de la universalidad de la producción artística.

La belleza de los otros – Ticio Escobar

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Como muchos han subrayado, el arte es una palabra – y una institución – demasiado circunstancial e idiosincrásica como para hacer de ella una categoría transcultural. Cuando los antropólogos lo han intentado, su éxito ha sido como mucho relativo. Al definir los « objetos de arte » como aquellos con atributos estéticos y/o semánticos que sirven para representar o presentar, o bien al definirlos como aquellos que permiten inferir que alguien ha actuado intencionalmente buscando cumplir un fin mentado en relación con un « otro », se consigue, en el mejor de los casos, delimitar una clase de objetos bien diferente de la clase, ya de por sí compleja, que recorta el término vernáculo. Usar el término « arte » para hablar de los artefactos, los atavíos y las ceremonias de los indígenas del Paraguay parece una tarea imposible. Con todo, el afamado curador y crítico paraguayo Ticio Escobar encuentra buenas razones intelectuales y políticas para hacerlo.

Estética digital – Claudia Gianetti

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Las experiencias y transformaciones que están teniendo lugar en el ámbito del arte que emplea los nuevos medios digitales y de telecomunicación suponen cambios radicales en los procesos creativos, la percepción y la estética. Giannetti analiza estos cambios y desvela tanto los antecedentes (las teorías más relevantes y pioneras, que ya en los años cincuenta reflexionaron sobre la relación entre arte y tecnología), como las nociones emergentes, que permiten la comprensión de los nuevos lenguajes y sus estéticas. Por un lado, el cada vez más estrecho vínculo entre arte y ciencia y, por otro, el arte interactivo como punto de partida para el planteamiento de un nuevo discurso estético, teniendo en cuenta la relación de interdependencia y complementariedad entre creador, obra y espectador partícipe, son dos temas centrales de Estética Digital. Capítulo tras capítulo, Giannetti va desgranando los paradigmas del media art, revisiones históricas, teorías científicas, análisis de obras,discursos actuales y otras cuestiones necesarias para profundizar en los aspectos esenciales de la estética del arte interactivo. El libro se completa con una amplia bibliografía y un útil glosario de definiciones terminológicas. 

Si desean leer un artículo que realicé relacionado con lo expuesto por Gianetti, hagan clic en el siguiente enlace: https://artedivague.wordpress.com/2017/04/04/estetica-digital-claudia-gianetti/

Antropología de la imagen – Hans Belting

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En esta obra fundamental, Hans Belting analiza los diversos tipos de imágenes, desde las del culto a los muertos de la Antigüedad hasta las imágenes “virtuales” contemporáneas, pasando por la fotografía y la teoría de la sombra en Dante, para centrar su atención en la praxis de la imagen, instaurando un paradigma distinto del establecido por el estudio de las técnicas de la imagen o de su historia. 

Si desea leer el análisis que realicé sobre el libro, haga clic en el siguiente enlace: https://artedivague.wordpress.com/2016/02/25/analisis-del-libro-antropologia-de-la-imagen-de-hans-belting/

Arte y belleza en la estética medieval – Umberto Eco

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El libro Arte y Belleza en la estética Medieval escrito por Umberto Eco es un compendio de las teorías estéticas que se encuentran dentro de la Edad Media. Ciertamente que dicho compendio no resulta ser una investigación con la finalidad de proponer o contradecir a dichas teorías, más bien, se limita a ser un resumen o mejor dicho, una sistematización en la que se presentan las teoría sobre la belleza y ciertas categorías estéticas.  La obra de Umberto Eco tiene la facilidad de ser accesible a todos aquellos que, sin ser especialistas en el tema (filosofía medieval o historia de la estética) estén interesados sobre la estética en la Edad Media. 

De lo espiritual en el arte – Kandinsky

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Aparecido en 1911, éste es el primero y el más publicado y traducido de los textos teóricos de Kandinsky, un discurso estético que desembocaría en la práctica de la abstracción no figurativa. En este sentido, el libro se propone esencialmente despertar la capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas, capacidad que Kandinsky intuía básica para la pintura del futuro y con posibilidades de hacer realidad innumerables experiencias. Pero no se trata, como podría pensarse, de un libro programático, pues no pretende en absoluto apelar a la razón y al cerebro. Aunque Kandinsky se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y suele resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas, el texto ostenta un estilo impecable y ha acabado ejerciendo, gracias a su gran poder comunicativo, una influencia profunda e indiscutible. 

Estética relacional – Nicolas Bourriaud

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Este libro es la teorización de una tendencia de las artes visuales de la década de los noventa. Escrito desde el punto de vista del curador, está dedicado a una vertiente del arte que incluye métodos de intercambio social y de interactividad con el espectador.

 

 

Las dos caras del arte

Las dos caras del arte

El año pasado he participado de diversas exposiciones, ferias y muestras artísticas. Hablar de todas en este artículo será agotador. Sin embargo, tomaré dos exposiciones que reflejan las dos caras del arte nacional. Por un lado, hablaré sobre los Premios Matisse 2016 (vale aclarar que me postulé y fui una de las diez seleccionadas para exponer mi obra) y, por otro, hablaré sobre la Feria de Artes realizada en el Museo del Arte Sacro en Octubre de 2016.

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Primero que nada, hablaré un poco sobre los premios Matisse. El mismo está organizado por la Alianza Francesa de Asunción y Gente de Arte. La misma es un premio muy ambicioso, más que nada, porque es la única que abarca todas las categorías de arte (entiéndase pintura, dibujo, videoarte, instalación, performance, intervención artística, etc). Por lo general, otras entidades suelen realizar concursos de una sola categoría, sea concurso de pintura, concurso de grabado o concurso de fotografía. Lo bueno es que da la oportunidad para que todos los artistas menores de 40 puedan participar y así dar a conocer al público sus obras. A continuación, presentaré un collage de las obras que fueron presentadas y expuestas en los premios Matisse 2016, incluyendo la que yo presenté (para más info sobre mi obra presentada, visiten mi blog Marisol FR Arte y diseño dando clic al siguiente enlace: https://marisolarteydiseno.wordpress.com/2016/11/04/carmen/)

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Y aquí la invitación a la inauguración de la exposición:

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En este premio, más que la obra, los jurados analizan la trayectoria y el concepto en sí que presentan los postulantes. Y da la oportunidad a los ganadores para que expandan sus horizontes, ofreciendo una estadía en Francia por un tiempo al ganador del primer premio. Y los que fueron seleccionados, pueden presentar su obra escogida durante el tiempo que dure la muestra y, de paso, replantearse el volver a participar para el siguiente año. Quizás, con más experiencia, o con un poco más de trayectoria. Sin embargo, está el inconveniente de que no todos conocen de este premio y, los que lo conocen, no les interesa participar dado que no les atrae lo relacionado al “arte contemporáneo”. Por lo tanto, casi siempre se presentan personas de una misma institución, aunque en los últimos años artistas que no conforman la institución también se animaron a participar.

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La otra exposición que hablaré es de la feria de artes. Aclaro que en esta no participé, pero pude darle una mirada en uno de esos días y ver qué ofrecía esa feria de arte. Y como era de esperar, me encontré con cuadros y esculturas modernas, es decir, arte “hecho a mano”, donde las personas aprecian el trabajo del artista. También había una mesa donde enseñaban a los niños a pintar, demostraciones de pinturas en vivo, música y venta de artículos relacionados con el arte. A continuación, presentaré un collage de fotos de algunas de las obras que vi y me interesaron, para que puedan apreciar las obras que se podían observar en esa feria de arte.

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Esto no fue un concurso. Fue organizado por artistas que ya conformaron un colectivo y siempre andan exponiendo sus obras en diferentes sitios. Sin embargo, nada más quiero resaltar la diferencia de ambas exposiciones artísticas, en la que ambas se muestran o quieren mostrar una cierta variedad de lenguajes artísticos pero que, en comparación, son completamente diferentes. En el Matisse se verán instalaciones, objetos, algunas pinturas y puede que una escultura. Incluso hubo una artista que pintó unas cajitas y las acumuló en un lienzo, creando así una obra tridimensional. En la Feria de Arte se verá cuadros de diversos estilos: cubista, expresionista, realista, naif y abstracto. Sí, dirán que son obras modernas, porque ninguna se sostiene al estilo clasicista, sin embargo todos esos estilos ya se originaron entre el siglo XIX y comienzos del XX, donde se produjo el cambio cuando Duchamp presentó el urinario en un museo. Además, en el Matisse, las personas preguntaban el significado de las obras, cuáles fueron las intenciones del artista para realizar la instalación o la intervención. En la Feria de arte, en cambio, casi no se ve que las personas pregunten a los artistas qué significan sus obras. Prefieren mirarlas y apreciarlas tal cual son. Lo cual también es válido, porque ese es el objetivo del artista: transmitir un mensaje, un sentimiento, una idea.

Sin embargo, pienso que cada artista genera su propio público, el cual le sigue por su obra y sus acciones. En este caso, ¿hay que desvalorizar a un pintor porque prefiere quedarse con su pintura de caballete que a intervenir una plaza pública? ¿Hay que burlarse del “contemporáneo” porque acumula unas cajas en un rincón en vez de realizar un dibujo artístico? ¿Es válido despreciar el trabajo de un artista por seguir una cierta tendencia? ¿Porque no pinta o no realiza instalaciones? ¿Cuál es el camino del arte en la actualidad? Generen sus propias conclusiones.

Reto “Inktober”¿Qué es?

Reto “Inktober”¿Qué es?

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A poco tiempo de iniciar el mes de octubre, les voy a hablar de un movimiento, reto o desafío que se vino haciendo desde hace algunos años. Es el famoso “Inktober”, el cual inicia el 1 de Octubre y dura durante todo ese mes.

Sin embargo, no muchos conocen cómo surgió este movimiento. Pues bien, aquí les diré brevemente cómo se originó y de qué se trata.

Primeramente, esto surgió en el 2009, cuando un ilustrador llamado Jake Parker propuso que durante el mes de octubre se realizaran dibujos a tinta. Al principio surgió como un autodesafío, para practicar con la ilustración. Con el tiempo, muchos otros artistas se sumaron al desafío, en el cual empezaron a practicar con la tinta y crearon ilustraciones interesantes.

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Por lo general en la web oficial de inktober se suele lanzar una lista, en el cual se sugiere los dibujos que se pueden hacer en cada día de Octubre para los que no saben qué dibujar ese día. Por supuesto la lista puede variar, de acuerdo al gusto de cada persona. Luego de realizar el dibujo, el artista debe subir a su página de Facebook o cuenta de instagram el dibujo hecho para ese desafío, bajo el hashtag #inktober para que todos puedan mirarlo. El desafío va sumando adeptos con el paso de los años y muchos lo ven como una forma de diversión, así como también otros lo ven para practicar con el dibujo tradicional o para promocionar sus trabajos. Sea lo que sea, cuando uno hace clic en el hashtag, puede encontrarse con dibujos muy interesantes, tanto de profesionales como de aficionados.

¿Ya has realizado este desafío? ¿O aún no te has animado? Si todavía no lo hiciste, te animo a que subas tus dibujos. No hace falta que sea solo tinta, también puedes usar superfinos, marcadores y bolígrafos, si te sientes más cómodo con esas herramientas. Y si ya realizaste ese desafío en algún momento, puedes compartir tus dibujos o tu página donde subes tus trabajos.

Mientras, les comparto uno de los dibujos que hice en el Inktober del año pasado. Espero les guste 🙂

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Especial Lourdes Mendez, “Antropología de la producción artística”, capítulo 5

Especial Lourdes Mendez, “Antropología de la producción artística”, capítulo 5

A partir de la fecha, se iniciará la serie de entradas donde transcribiré informes de capítulos de los libros leídos, relacionados con el arte, la tecnología y la cultura de la imagen en general. Los informes serán escritos una vez por semana, los cuales tendrán el resumen y la reflexión del capítulo leído del libro en específico. En esta ocasión he decidido continuar con el libro “Antropología de la producción artística” de Lourdes Mendez. Espero lo disfruten y me acompañen en el camino de brindar información a todo aquel que esté interesado en saber más acerca del arte.

Informe del quinto capítulo de “Antropología de la producción artística”

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En todas las culturas, a lo largo de la historia, el cuerpo humano ha causado admiración. Es por eso que fue representado de diversas formas, como un mundo en sí mismo que encierra poderes y esencias.

En Occidente, durante el siglo XVII, se produjo un interés científico por el cuerpo humano. Se hicieron representaciones gráficas donde se analizaba su biología, fisiología y anatomía, así como también la relación entre el cerebro y las capacidades mentales de la raza o el sexo de cada individuo. Méndez señala que, con todo eso, se ha colocado a cada individuo, según su raza y sexo, en el lugar que debería ocupar en el orden social y en la línea de la evolución humana. Incluso, añade también que las imágenes del cuerpo humano, especialmente el cuerpo de la mujer, marcó la historia del arte. Eso produjo que, durante el siglo XIX y principios del XX, se generara una “iconografía de la misoginia” que no es ajena ni al credo de las vanguardias artísticas ni al auge de las teorías evolucionistas.

Es claro que cada cultura es diferente, por lo cual existen diferentes maneras de representar el cuerpo humano. Incluso, esas representaciones varían en cada contexto y periodo histórico, simbolizando el estatus sexual, económico, religioso o político de los individuos. Se pueden distinguir dos tipos de intervenciones estéticas sobre el cuerpo humano: las permanentes (que serían los tatuajes o las cirugías) y las temporales (que sería el maquillaje o los adornos corporales). Con las intervenciones permanentes se demuestra la identidad de un individuo como miembro de una sociedad, distinguiéndose de los otros grupos. Con esto se puede ver que “todas las culturas eligen las partes del cuerpo que desean enfatizar pero, generalmente, ni son las mismas para ambos sexos, ni nos refieren a las mismas expectativas sociales” (Méndez, 1995).

Debido a un alto interés que generaron las otras culturas con respecto a la representación del cuerpo humano, aparecieron durante la década de los setenta movimientos artísticos, como el body art, que convirtieron al cuerpo en materia “estética”. Con esto, el arte occidental pretendió utilizar el cuerpo “de un modo novedoso, enmarcándolo en acciones y acontecimientos plásticos en los que intervenía el teatro, la música, la expresión corporal y el público” (Méndez, 1995). Incluso, se ha comparado al artista con el chamán, representando sus obras como el resultado de experiencias esotéricas que desean compartir con el público por medio de “rituales” artísticos, como sería el performance o el happening.

La ciencia siempre ha investigado sobre el cuerpo humano y, aunque se supone que debería ser objetiva, muchos investigadores científicos cayeron en el etnocentrismo o androcentrismo, haciendo que revelaran que estaba “científicamente comprobado” que un individuo de tal o cual característica era inferior o superior tanto en lo físico como en lo racional. Hoy en día se intenta revisar aquellos grandes traspiés que fue fruto de numerosas injusticias cometidas hacia personas que, por su apariencia física, fueron consideradas criminales o de “poca inteligencia”. En el presente se dice que se ha superado la imagen del “cuerpo perfecto”, pero aún vemos que, tanto en la televisión como en las películas, siempre aparecen personas físicamente atractivas y que se ajustan a nuestro concepto de belleza actual. Si uno desea poseer ese cuerpo o ese rostro y tiene mucho dinero, entonces puede consultar con los cirujanos para que modifiquen su cuerpo o su cara y, así, tener las características de una persona joven y hermosa.

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Hay de los que no desean tener el “físico perfecto” o el “rostro hermoso”, pero recurren al body art para marcar su cuerpo con algo que le identifique como una persona de ciertas características. Esto incluye pintarse el cuerpo o aplicarse tatuajes, como si su cuerpo fuese un lienzo viviente. También están los que recurren a las cirugías, pero no para agrandarse los pechos o achicarse la nariz, sino para imitar a algún animal. Se ha visto personas que, poco a poco, se van transformando en tigres, o gatos, o incluso vampiros incrustándose colmillos, cuernos o bigotes de felino. A veces también hay los que desean parecerse a algún personaje ficticio de animación o, incluso, están los que desean ser como los elfos  o las hadas (que tienen orejas puntiagudas).  Para un individuo, aparentemente normal, todas esas modificaciones del cuerpo (los tatuajes, las cicatrices, las cirugías, las incrustaciones) les parecen venidas de gente enferma mentalmente, que podrían invertir su dinero en cosas más productivas. Sin embargo, no dice lo mismo de los indígenas que se perforan la nariz, la boca o las orejas con palitos puntiagudos, que se tatúan o se cortan parte de su cuerpo para tener cicatrices e identificarse en su sociedad. Y tampoco dirá lo mismo de las civilizaciones antiguas, que ponían tablillas en la cabeza de los bebés para que las tuvieran alargadas o que vendaban los pies de las niñas para que los tuvieran pequeños. Lo tomará como algo extraño, venido de “bárbaros”, pero no los considerará “enfermos mentales”.

Sean locuras de artistas, o costumbres de otros pueblos, el ser humano siempre se ha fascinado por su propio cuerpo, para bien o para mal. Muchos no están satisfechos con su cuerpo y desean modificarlo y, los que están felices por ser como son, simplemente tienen el mismo cuerpo y lo cuidan con ejercicios o dietas. La cuestión de la mente o el razonamiento no tiene nada que ver con el aspecto físico. Hay personas con el cuerpo y rostro perfecto, pero que no son brillantes mentalmente e, incluso, poseen un horrible carácter. Son estereotipos que se han formado desde antes de la antigüedad, se fueron modificando con el paso de las eras y se amoldaron de acuerdo a la cultura de cada pueblo. Todos tienen un concepto diferente del cuerpo humano, aunque también influye la época, la edad y el pensamiento de uno mismo. Lo que hacemos con nuestro cuerpo y cómo esto influye a la sociedad es lo que cuenta. Porque no todos los que tienen tatuaje son delincuentes, así como también no todos los feos son inteligentes.

A modo de terminar este resumen, va una reflexión personal: lo único que nos pertenece totalmente es nuestro cuerpo. No somos títeres de nadie, aunque quieran hacernos creer lo contrario. Podrán sacarnos nuestros objetos más preciados o a nuestras personas amadas, pero nadie (excepto la muerte) puede arrebatarnos de nuestro cuerpo.

Especial Lourdes Mendez, “Antropología de la producción artística”, capítulo 4

Especial Lourdes Mendez, “Antropología de la producción artística”, capítulo 4

A partir de la fecha, se iniciará la serie de entradas donde transcribiré informes de capítulos de los libros leídos, relacionados con el arte, la tecnología y la cultura de la imagen en general. Los informes serán escritos una vez por semana, los cuales tendrán el resumen y la reflexión del capítulo leído del libro en específico. En esta ocasión he decidido continuar con el libro “Antropología de la producción artística” de Lourdes Mendez. Espero lo disfruten y me acompañen en el camino de brindar información a todo aquel que esté interesado en saber más acerca del arte.

Informe del cuarto capítulo de “Antropología de la producción artística”

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Las situaciones de contacto cultural estuvieron marcadas por una transformación en los sistemas tecnológicos de las sociedades “recién descubiertas” por los occidentales (Méndez, 1995). Los colonizadores les enseñaron a utilizarlas y les pidieron que realizaran una serie de objetos destinados al mercado occidental.

Toda tecnología siempre ha implicado la necesidad de adquirir conocimientos y ha llevado a la necesidad de adaptarse a nuevas situaciones desarrollando nuevos modelos de trabajo. Tanto la diversidad como la complejidad de los materiales son elementos importantes a la hora de analizar las artes no occidentales, así como también la forma en que fueron distribuidas según el status y el sexo. Si tanto los materiales tradicionales, como la presencia de otros nuevos y la distribución según el sexo ayudan a comprender ciertas claves culturales, la percepción occidental ayuda a entender otras (Méndez, 1995). Mientras que a los “primitivos” se les exigía que dotasen de valor intrínseco a la obra, a los occidentales se les pedía que no recurriesen tanto a su “avanzada tecnología” o el resultado no podría catalogarse como arte.

En el ámbito artístico también influye mucho el aprendizaje, del cual se puede diferencia de lo formal, informal y el autodidactismo. Aunque sea formal o informal, el aprendizaje artístico se encuentra en todas las culturas. Sin embargo, la existencia de formas de aprendizaje formales incide en el reconocimiento social de una profesión: la de artista.

Que las obras de arte sean únicas, creadas por un solo individuo, son premisas básicas para la teoría occidental del arte. Para el pensamiento occidental el artesano reproduce en sus objetos modelos y formas heredados de la tradición popular de cada país. Al contrario que el artista, el artesano no crea, no concibe sus obras para la contemplación estética, sino para su uso (Méndez, 1995).

Es importante resaltar que existe una fuerte discusión con respecto a qué se puede considerar arte y qué se puede considerar artesanía, intentando no centrarse en demasía en la mirada occidental, sino desde el punto de vista de otras culturas. Incluso está en discusión sobre la utilización de la tecnología a la hora de realizar una obra de arte. Hasta ahora, las obras de arte realizadas con programas informáticos no son tan apreciadas como las obras de arte hechas de forma tradicional. Incluso, el “arte virtual” entra en una gran contradicción con respecto al concepto de arte en el pensamiento occidental. Como lo había dicho Méndez, para el occidental, arte es aquello irrepetible, único, hecho por una sola persona y creado especialmente para el placer estético. Es por eso que la pintura siempre se la ha considerado la mayor de las artes visuales, mucho más que las esculturas y aquellos objetos de artesanía creados para un uso utilitario.

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Hasta ahora existen muy pocos artistas no occidentales reconocidos internacionalmente. Y si son reconocidos, solo los conocen en su ámbito, región o país. Y, como siempre pasa, existe una gran diferencia entre el arte del hombre y de la mujer. Se ha visto en varias culturas que los hombres utilizan ciertos materiales y las mujeres se dedican a elaborar otros objetos. Por ejemplo, en varias tribus indígenas, las mujeres se dedican al tejido de fibras naturales para la elaboración de bolsos y carteras, mientras que los hombres se dedican a realizar vasijas o platos moldeados con pedazos de madera. Y normalmente no piensan en realizar una obra de arte ni ser grandes artistas, sino más bien piensan en “ganarse la vida” vendiendo estas artesanías.

Es cierto que los colonizadores fueron los que intercambiaron nuevos materiales y tecnologías a los nativos del continente americano, y que éstos influyeron en sus artes. Un claro ejemplo se puede ver en las reducciones jesuíticas, donde los misioneros les enseñaron a los indígenas imágenes de santos y ángeles para que éstos realizaran tallas de madera representando a dichos personajes religiosos. Por mucho tiempo se ha descrito la obra de los guaraníes jesuitas como “simples copias” e, incluso, que no poseían la habilidad para realizar figuras humanas con su correcta proporción. Por lo tanto, desde el punto de vista occidental, estas esculturas hechas por indígenas no fueron consideradas obras de arte. Sin embargo, jamás se pusieron a analizar el pensamiento indígena, cómo realmente ellos deseaban representar a esos personajes religiosos e, incluso, cuál era el concepto de “hermoso” o “estético” que manejaban los nativos. A lo mejor, para los nativos, el arte podía ser representado infinitamente y realizado por varios autores, algo completamente opuesto a lo que creían los occidentales o colonizadores.

Sean estas impuestas o no, la adquisición de la tecnología de otros países puede llegar a ser muy beneficioso para muchos artistas, dado que podrían innovar en su manera de hacer arte y adaptar esa tecnología y ese nuevo material según su conveniencia. Incluso si lo usa para fines comerciales o para realizar una única obra de arte, mientras sea novedoso, extraño o, simplemente bonito, es importante reconocer su habilidad y destreza. Sea este un artista, diseñador o artesano, la creatividad es lo que cuenta. Aquí no importa qué tan avanzada sea la tecnología de un pueblo, o si el artista depende o no de dicha tecnología para realizar sus obras de arte. Lo que cuenta es su habilidad, creatividad e ingenio para poder crear un cuadro, objeto o imagen y que ésta produzca algún efecto en quien lo contemple. Aunque sea una vasija, quien mire esa vasija, se fijará en su diseño, forma, tamaño, color y si posee algún otro elemento que lo complemente o le haga aún más atractivo para su uso final.